Chissà chi ricorda l’edizione 2001 della nostra Extrafesta: ebbe come protagonista il gruppo del percussionista della Costa d’Avorio Boni Gnahoré, che arrivò apposta da Abidjan. Ma a quella Extrafesta partecipò anche sua figlia Dobet Gnahoré: invitata da Radio Popolare a venire a Milano a salutare il papà, Dobet, che neanche ventenne da qualche tempo viveva a Grenoble, si esibì anche in un paio di brani fuori programma nel corso della serata. Nel frattempo Dobet Gnahoré ha fatto una bella carriera, e si è affermata come una delle protagoniste della musica dell’Africa nera più note e apprezzate a livello internazionale. Artista estremamente professionale, cantante con una forte personalità, Dobet è anche una bravissima ballerina e ha una grande capacità di tenere la scena, in show di notevole classe e molto trascinanti: come si vedrà sabato 23 marzo a Bergamo nell’ambito di Bergamo Jazz. Per l’occasione Musiche dal Mondo torna sul suo ultimo album, Miziki, uscito lo scorso anno.

Il 12 dicembre scorso, giorno del suo compleanno, Manu Dibango ha festeggiato a Parigi, con tre ore di spettacolo a Le Palace, i suoi ottantacinque anni e sessant’anni di carriera: la festa continua e arriva anche in Italia, domenica 24 marzo, nella serata di chiusura di Bergamo Jazz. Musiche dal mondo rende omaggio a Manu con qualche brano che ci ricorda alcuni momenti importanti della sua vita e della sua carriera: la nascita e l’infanzia a Douala, in Camerun, la passione per il jazz nella Francia del secondo dopoguerra, l’incontro nel ’60 con il grande musicista congolese Joseph Kabasele, la collaborazione con Nino Ferrer, e nel ’72 l’exploit planetario di Soul Makossa, con cui Dibango diventa una star internazionale, uno dei primi musicisti africani (assieme a Miriam Makeba e a Fela Kuti) a farsi conoscere a livello mondiale e uno dei battistrada della world music.

Con la compianta Mariem Hassan e con Aziza Brahim, negli ultimi due decenni la musica sahrawi è salita alla ribalta internazionale della world music: ma questo non deve farci dimenticare che nei campi profughi sahrawi la musica vive grandissime difficoltà. Desert Session è un album che raccoglie brani registrati assieme da musicisti sahrawi e italiani, tra un campo sahrawi in Algeria e il nostro Sud. Il Cd è nato da un progetto di una associazione italiana che tra il Salento e i campi nel deserto si occupa di bambini sahrawi con problemi di disabilità: negli ultimi anni circa venticinque bambini sahrawi sono stati ospiti di famiglie pugliesi e sono stati sottoposti ad interventi chirurgici e hanno ricevuto trattamenti sanitari in Italia. La musica potrebbe sembrare un fatto del tutto secondario rispetto a questo impegno indirizzato ai drammi individuali all’interno del dramma generale dei sahrawi: ma non lo è, innanzitutto per i bambini e per i più giovani, per mantenere un rapporto con la loro cultura, per il loro senso di sé, per il loro senso del futuro.

Bixiga 70, formazione di una decina di elementi con un impianto da piccola big band, rappresenta una delle più brillanti novità arrivate in questo decennio dalla musica brasiliana, e nello specifico dalla scena di Sao Paulo, che si può considerare senza tema di smentita una delle realtà musicali attualmente più vivaci del pianeta. Bixiga 70 prende il nome dal numero 70 della Rua Treze de Maio, sede dell’Estudio Traquitana, culla della band, nel bairro di Bixiga, caratterizzatosi nella prima metà del novecento come quartiere dell’immigrazione italiana. I componenti di Bixiga 70 hanno diverse provenienze musicali: candomblé, jazz, reggae… ma il denominatore comune è stato la musica afrobrasiliana: l’idea del gruppo è stata quella di creare un ibrido, con appunto l’Africa come riferimento principale. Africa che nella produzione di Bixiga 70 entra non solo attraverso quello che di africano c’è nella musica afrobrasiliana, perché Bixiga 70 si rapporta creativamente per esempio anche a forme di musica africana moderna come l’afrobeat o l’ethio-jazz, generi molto congeniali alla dimensione e all’enfasi orchestrale che è una cifra stlistica di Bixiga 70.

Nato nel 1977 a Tel Aviv, Dudu Tassa è un protagonista di rilievo del rock israeliano. Tassa è un ebreo che ha le sue origini familiari in due paesi arabi, l’Irak e lo Yemen. Nel suo terzo album, che nel 2003 gli ha fatto fare un salto di popolarità nel suo paese, Tassa aveva già proposto una canzone irakena che era stata interpretata anche da suo nonno, Daoud Al Kuwaiti. Ma poi Tassa ha scavato in maniera più sistematica nelle sue radici familiari e musicali, ascoltando centinaia di canzoni di Daoud Al Kuwaiti e di suo fratello Saleh, che lavoravano col nome d’arte di Fratelli Al Kuwaiti, fra i maggiori innovatori della scena musicale di Baghdad fra gli anni trenta e cinquanta del secolo scorso, e poi emigrati in Israele. Tassa ha poi pensato di attualizzare alcuni dei brani con la sua sensibilità di giovane musicista rock: lo ha fatto con una nuova band a cui ha dato il nome di Dudu Tassa and The Kuwaitis, con cui ha pubblicato un album nel 2011 e un secondo nel 2015, coinvolgendo in questo lavoro musicisti e cantanti ebrei e irakeni. El Hajar è il terzo album della formazione, e il primo ad essere pubblicato in Europa: con molta finezza Tassa, che ha imparato a cantare in arabo irakeno, fa reagire il vecchio materiale con il suo gusto da rock alternativo, creando una bella comunicazione tra passato e presente.

Ospite in studio, Dudu Kouaté ci presenta il suo album Africation. Nato a Dakar, a venticinque anni Kouaté è arrivato in Europa: è da trent’anni in Italia, e abita a Bergamo. Ha iniziato la sua carriera suonando con i Kunsertu. In questi ultimi anni è stato chiamato a lavorare con l’Art Ensemble of Chicago, la formazione che da mezzo secolo è un emblema del jazz d’avanguardia. Quello che si ascolta in Africation è pressoché tutto suo: Kouaté è innanzitutto un percussionista, ma suona anche strumenti a corda tradizionali, e, come si può sentire in questo album, canta in maniera molto elegante. L’idea di Africation è quella di un risveglio dell’Africa, che Kouaté paragona ad un mendicante seduto sopra una miniera d’oro: e nel brano che dà il titolo al disco si sente la voce di Thomas Sankara, ucciso per stroncare l’esperienza rivoluzionaria che il capitano-presidente aveva avviato nel Burkina Faso.

Giusto qualche settimana fa siamo tornati ad occuparci dell’etichetta norvegese KKV (vedi podcast del 14 gennaio), e torniamo di nuovo a farlo per un altro album appena uscito. Una delle maggiori direzioni di interesse della KKV è la Palestina: l’etichetta ha per esempio sostenuto la presenza discografica della compianta Rim Banna. Qualche anno fa inoltre la KKV ha pubblicato un album del Gaza Youth Choir, sormontando fra l’altro non poche difficoltà, perché le apparecchiature dovettero passare attraverso il tunnel dall’Egitto, e il produttore norvegese Erik Hillestad e il tecnico del suono dovettero fare richiesta tre volte e aspettare per un anno prima che gli israeliani finalmente concedessero l’autorizzazione per il loro ingresso nella striscia. Adesso l’etichetta ha pubblicato un altro coro palestinese, quaesta volta tutto femminile: il titolo è Daughters of Jerusalem, traduzione del nome che il coro ha in arabo, Banat al Quds, cioè appunto “figlie di Gerusalemme”. Le ragazze hanno antiche radici familiari nella città, vivono tutte a Gerusalemme Est, e studiano al Conservatorio Nazionale palestinese intitolato ad Edward Said. La maggior parte dei brani dell’album parlano proprio di Gerusalemme, e raccontano il contrasto tra l’ideale di Gerusalemme – nella Bibbia definita “madre della pace” – e la sua realtà attuale, dove dominano muri, checkpoint e ingiustizia. In un incontro molto significativo, in due brani le giovani palestinesi sono affiancate dalle ragazze americane del Princeton Girlchoir.

C’erano una volta dei marinai cubani che lavoravano sui bastimenti che facevano la spola tra i Caraibi e l’Africa occidentale. Negli anni tra le due guerre mondiali dei 78 giri di son cubano passarono da loro ai portuali africani, e cominciarono a circolare nel continente nero. I 78 giri trovarono orecchie particolarmente attente a Brazzaville (Congo francese) e a Leopoldville (Congo belga), la futura Kinshasa, dove le musiche locali stavano cominciando a modernizzarsi… Con un florilegio di brani 1950-1960, Nostalgique Kongo, pubblicato dall’etichetta francese Buda Musique (una garanzia: è l’etichetta della aurea collana éthiopiques…), ripercorre i primi momenti della straordinaria epopea della rumba congolese, il più potente genere musicale africano del Novecento e per molti decenni il più influente (e ballato) nel continente nero.

Rocé è un rapper francese nato in Algeria nel 1977. Un giorno un venditore di vinili usati gli mette tra le mani due vecchi dischi, di Colette Magny, cantante francese di vibrante impegno politico, e di Alfred Panou, cantante beninese, antesignano africano del rap/slam: per Rocé è una folgorazione e l’inizio di una collezione di brani in francese legati alle lotte operaie, ai movimenti anticoloniali, alle lotte degli immigrati. Una ricerca che è sfociata in questa raccolta, il cui titolo significativamente richiama l’epocale libro di Frantz Fanon I dannati della terra. Il cd è corredato da un bel fascicolo in cui i brani sono contestualizzati da testi scritti da due storici. Nell’introduzione Rocé ricorda che c’è stato un breve momento che ha visto la convergenza di lotte anticoloniali, lotte di immigrati, lotte operaie, in cui il campo del possibile era aperto, prima che questo momento finisse e si piombasse nell’individualismo, nel breve termine, nell’assenza di progetti alternativi di società. Ma oggi ci sono nuove lotte e nuove generazioni, che possono riprendere in mano i sogni di una volta, e che per farlo hanno innanzitutto bisogno, quei sogni, di conoscerli: magari – questa è la speranza di Rocé – anche attraverso queste canzoni.

L’etichetta norvegese KKV svolge da tanti anni una importante attività di valorizzazione di artisti – soprattutto donne – del mondo arabo e del Medioriente che rappresentano con la loro musica l’aspirazione alla democrazia, i diritti di minoranze o popoli oppressi, la lotta per la libertà di espressione, i diritti delle donne. Dedicando una attenzione non occasionale a cantanti iraniane, la KKV ha pubblcato anni fa un album di Mahsa Vahdat, che – date le severe restrizioni a cui la pratica pubblica della musica da parte delle donne è sottoposta in Iran – impartisce lezioni di canto persiano nella propria casa ad allieve che come lei non hanno per il momento la prospettiva di esibirsi in pubblico in patria, ma che sono motivate ad apprendere una grande arte e un grande patrimonio. Già presente in Songs in the Mist, altro album pubblicato dalla KKV, una di queste allieve, Ooldouz Pouri, arriva adesso ad un album personale: il grosso del repertorio è costituito da brani in lingua azera (quella azera è la più importante minoranza etnica dell’Iran), canzoni d’amore che sono state popolari negli anni cinquante e sessanta, cantate all’epoca dalle grandi dive della canzone in Persia.

Newpoli è un gruppo composto in parte da italiani, nati in Basilicata e in Calabria, ma italiani che risiedono negli Stati Uniti, a Boston, e che però continuano a sentire l’importanza della musica tradizionale del Sud, di cui hanno interiorizzato la bellezza e la forza espressiva nella loro vita in Italia. E pur abitando negli Stati Uniti non sono rimasti indifferenti di fronte ai drammi di cui il Mediterraneo in questi anni è teatro, e a cui hanno intitolato l’album, uscito in autunno oltre Atlantico su etichetta Beartones. Un lavoro che si fa apprezzare per le belle le voci di Carmen Marsico e Angela Rossi, la limpidezza della musica neotradizionale, l’utilizzo fine di apporti di altre culture (come un ritmo nordafricano che si integra con un canto del foggiano), la valorizzazione dei dialetti, e il riferirsi ad un tema che è di ieri e di oggi come quello dell’emigrazione.

Nel gennaio del ’59 la guerriglia di Fidel Castro entrava vittoriosa all’Avana. Sessant’anni che ricordiamo con una carrellata di brani che toccano diversi aspetti della musica cubana (non tutti: il tempo è tiranno e sono rimasti fuori due fenomeni importantissimi negli ultimi decenni come l’hip hop e il regueton) e diversi momenti della vicenda di Cuba dopo la Rivoluzione. Brani di Elena Burke, Pablo Milanés, Carlos Puebla (Hasta Siempre), Los Van Van, Irakere, Lazaro Ros, Sintesis, NG La Banda, Adalberto y su Son, Gerardo Alfonso, Yusa, Buena Vista Social Club.